천재 레오나르도 다빈치의 작품 제작 과정은 어땠을까요? 레오나르도 다빈치 작업실의 제자이자 조수들은 작품 제작 과정에 어떤 역할을 했을까요? 레오나르도 다빈치 작품 제작 과정에 있어서 조수들의 중심적인 역할에 대해서 살펴보겠습니다.
레오나르도 다빈치 작품 제작과 조수들
루브르 박물관에 소장된 레오나르도 다빈치의 작품 성 안나와 성모자는 광범위한 복원 작업 덕분에 예전의 색과 선을 되찾았습니다. 이 걸작이 원래의 모습으로 재발견되면서 끊임없이 작업했지만 거의 대부분의 작품을 미완성했던 레오나르도 다빈치의 그림 제작 조건에 대한 많은 의문이 제기되고 있습니다.
이러한 질문의 핵심은 거장의 창작 과정에서 공방과 그의 제자 또는 조수들의 역할입니다. 스페인 마드리드 프라도 박물관에서 모나리자의 복제품이 발견되면서 더욱 놀라운 사실이 밝혀졌습니다.
이를 통해 레오나르도의 천재성, 그의 정신적 경로, 비전, 프로젝트 및 도상학을 이해하고 특정 선입견을 바로잡을 수 있는 매우 유망한 전망이 열리고 있다고 예술가 전문가들은 보고 있습니다. 레오나르도와 그의 가장 가까운 조수들과의 관계를 더 잘 이해함으로써 우리는 레오나르도 다빈치에 대한 지식을 더 구체화할 수 있습니다.
레오나르도 다빈치는 어떤 주제에 대한 준비 연구를 먼저 수행한 후 특별한 의뢰 없이 발명했을 수도 있습니다. 성안나와 성모자 작품의 경우 외부 의뢰인이 요청했다는 언급이 없습니다. 다빈치는 1500년 피렌체에 돌아왔을 때 당시 정치적으로 불안정했던 피렌체에 대한 경의를 표하기 위해 이 주제를 선택했을 가능성이 높으며, 성 안나는 피렌체의 상징이자 수호자라고 할 수 있습니다.
1. 실험적 프로토타입 단계
레오나르도 다빈치는 만들고자 하는 작품에 대한 아이디어가 떠올랐을 때, 그림을 통해 상상하고 구상한 후 아직 구체화되지 않은 ‘코사 멘탈레’ 상태일 때 조수들을 지도하여 그들이 작품을 구체화하거나 레오나르도 자신이 수정하기도 했습니다.
“코사 멘탈레(Cosa mentale)”는 이탈리아어로 문자 그대로 “정신적인 것” 또는 “마음의 것”으로 번역할 수 있는 표현입니다. 레오나르도 다빈치의 회화 개념을 설명하기 위해 종종 사용됩니다.
다빈치에게 그림은 단순히 캔버스에 색을 칠하는 물리적 행위가 아니라 지적 활동이었습니다. 그는 그림을 그리기 전에 대상을 이해하고 머릿속에서 개념화하는 것이 필수적이라고 믿었습니다. 따라서 그림은 이러한 정신적 개념의 표현이자 사고의 표현이었습니다.
‘코사 멘탈레’의 이면에는 예술이 현실을 충실히 재현하는 것이 아니라 예술가의 이해와 비전을 표현하는 해석이라는 생각이 깔려 있습니다. 이는 작품을 물리적으로 구현하기 전에 성찰, 계획 및 개념화를 강조하는 접근 방식입니다.
레오나르도 다빈치의 조수인 살라이, 볼트라피오, 멜지 또는 다른 누군가가 레오나르도 작품의 첫 번째 버전을 제작하는 것을 상상할 수 있습니다. 따라서 레오나르도의 작업실에 있는 작품들은 단순한 모사본이 아니라 실험 단계 즉, 프로토타입입니다.
레오나르도와 특히 각별한 사이였던 살라이에 대해서는 다음 글에서 자세히 알 수 있습니다.
2. 레오나르도의 작업
레오나르도 다빈치는 이러한 프로토타입과 조수들이 이미지로 변환한 그의 비전을 바탕으로 그림을 그렸습니다. 프라도 미술관에서 발견된 모나리자와 로스엔젤레스 대학의 성안나 작품은 다른 레오나르도 작품보다 세부 묘사가 더 정확합니다. 이 작품들은 조수들의 작업을 바탕으로 레오나르도가 수정하고 개선한 중간 모델 역할을 한 작품들입니다.
레오나르도 다빈치 작품의 불완전성
모나리자는 완성되지 않았고 성 안나와 성모자도 미완성 작품입니다. 레오나르도 작업실 작품의 배경과 비교했을 때 그 차이는 눈에 띄게 드러납니다.
실제로 다빈치는 조수들이 만든 프로토타입을 사용하여 특히 유명한 그의 기법인 스푸마토와 함께 특별한 미묘함을 지닌 작품을 만들었는데, 이는 상당한 시간이 걸렸습니다.
스푸마토(sfumato)는 이탈리아어로 “흐릿하게”나 “연기 같은”을 의미하는 “sfumare”에서 유래되었습니다. 스푸마토는 르네상스 시대의 화가들, 특히 레오나르도 다 빈치에 의해 사용된 회화 기법 중 하나입니다.
이 기법은 경계선 없이 색상과 음영을 부드럽게 전환함으로써 입체적이고 부드러운 효과를 만들어냅니다. 스푸마토 기법은 특히 얼굴과 몸의 윤곽을 그릴 때 사용되어, 물체나 인물의 형태가 연기처럼 부드럽게 사라지는 듯한 느낌을 줍니다.
모나리자
위 그림의 왼쪽은 루브르 박물관의 모나리자, 오른쪽은 마드리드 프라도 미술관의 모나리자입니다. 프라도 미술관의 모나리자의 특징은 루브르 박물관의 모나리자만큼 훌륭하지는 않지만 피부가 더 밝고 부드러워 보입니다.
또 스페인 버전에서의 풍경이 약간 더 가파르죠. 루브르 박물관 모나리자의 특정 영역은 마드리드 버전에서 더 높습니다. 아마도 다빈치가 상상했지만 실제로 제작하지 않은 모양일 수 있습니다. 루브르 박물관의 노란색 소매가 프라도 미술관의 빨간색 소매가 되도록 의도 되었을 가능성도 있습니다.
이처럼 조수들의 실험적인 작품은 다빈치의 작업 과정을 보여주는 퍼즐의 귀중한 조각입니다. 레오나르도 다빈치가 무엇을 의도했는지, 또는 그가 구상했다가 포기한 것을 보여줍니다. 거장의 작품과 제자들의 작품을 연결함으로써 우리는 다빈치의 머릿속으로 들어가게 됩니다.
세례자 요한
세례자 성요한 그림의 경우 레오나르도의 생각의 변화를 보여줍니다. 처음에 그는 세례자 요한이 정면을 응시하며 관객을 향해 공격적인 태도로 말하는 인물을 상상했습니다. 그는 이 구도를 좀 더 내성적이고 덜 과시적인 태도로 변경했습니다.
그는 오른팔을 몸의 왼쪽으로 움직여 손이 관객을 향하는 대신 얼굴에 가까이 오도록 하여 나선형 효과를 만들었습니다. 이것은 빛에서 그림자로의 전환을 기반으로 한 그의 그림 기법에 더 적합한 장치를 제공하고 더 관련성이 높습니다: 세례자 요한은 실제로 기독교의 마지막 선지자로서 어둠 속에서 나타나 신성한 진리를 선포합니다.
글을 마치며
지금까지 레오나르도 다빈치 작품 제작 과정에서 조수들의 역할에 대해서 살펴보았습니다. 레오나르도 다빈치의 작품은 희귀하고 인기가 높습니다. 이사벨라 데스테, 루이 12세, 프란시스 1세 등 많은 사람들이 그의 작품을 얻기 위해 거장에게 접근했습니다. 그러나 대중의 믿음과는 달리 레오나르도 다빈치의 사인이 중요한 것이 아닙니다. 그림은 정신의 창조물인 “코사 멘탈”이기 때문에 무엇보다도 레오나르도의 정신에 따라 작품이 제작되는 것이 중요합니다.
